On Jazz, Bassists, and Expecting the Unexpected as Photographers

Dizem que os melhores planos de ratos e homens muitas vezes dão errado. Como fotógrafos, tenho certeza de que muitos de vocês podem lidar com esses sentimentos de forma tão agressiva quanto eu. Tive uma experiência de uma sessão de fotos no local que me lembrou o quão importante é esperar o inesperado como fotógrafo, que gostaria de compartilhar com vocês.

Recentemente, fui chamado para uma sessão de fotos de última hora no Dizzy’s Club Coca Cola, um dos principais locais de jazz de Manhattan. Dizzy’s estava se apresentando em comemoração ao centenário do lendário guitarrista Charles Mingus, e o show incluiu a Mingus Big Band. Um jornalista de uma revista eletrônica estava à disposição para entrevistar Boris Kozlov, o baixista, e ele me procurou para ver se eu poderia filmar o evento. Como músico de jazz, fiquei naturalmente feliz por ter a oportunidade e imediatamente disse sim. Embora o escritor não estivesse pensando em nada específico, sugeri que, além de documentar a performance e a entrevista, seria legal tirar algumas fotos posadas de Boris com o baixo Mingus, se ele concordar com a ideia.

Após menos de 24 horas de preparação e percebendo que haveria um tempo limitado para selfies (calculámos entre 30 e 45 minutos), trouxe dois Joe McNally Ezboxes e dois Speedlites Canon 600EX II-RT, como eu esperava ser a melhor e mais portátil maneira de fazer as coisas, a missão. Eu não queria lidar com cabos e o tempo que levava para configurar os flashes, além disso, eu já sabia que o teatro estaria repleto de aparelhos, estandes e alto-falantes. A passagem de som terminou por volta das 17h30, que foi a hora em que cheguei com meu assistente. Nosso plano era filmar Boris após a passagem de som e antes do primeiro set. Foi quando tudo virou à esquerda. Primeiro, a passagem de som atrasou, o que tomou um pouco do nosso tempo (isso é comum e eu deveria fazer, mas não esperava). Mas o verdadeiro desafio foi quando percebi que em vez de um guitarrista, havia três, e esperava-se que eu tirasse uma foto de grupo deles e suas roupas. Meu plano original, que era cerca de 45 minutos para filmar um único baixista, saiu pela janela. Em vez disso, agora eu tinha pouco tempo para fotografar três guitarristas, todos amontoados em uma pequena plataforma cercada por fios, estantes e músicos presos.

Nesse ponto, tive um pequeno ataque de pânico interior, pois meus melhores planos desmoronaram diante dos meus olhos. Tive que repensar tudo o que ia fazer e, por um segundo, minha mente ficou completamente em branco! Depois de alguns momentos, tomei uma decisão e pensei na situação para formular um novo plano. Eu sabia que tinha que trabalhar rápido, pois os músicos estavam prontos para fazer uma pausa muito necessária antes do primeiro set começar.

Decidi que minha melhor aposta era renunciar à configuração de duas luzes que havia planejado, pois não havia tempo ou espaço e, em vez disso, usei um único flash e um Ezbox. Este é um deve fazer para todos os três. Embora eu trouxesse suportes leves, não havia espaço ou tempo para montá-los, então pedi ao meu assistente para manter o modificador na melhor posição que pudéssemos cobrir os três jogadores. Ajustei o flash para ETTL, joguei uma lente de 24 mm na câmera, encontrei uma superexposição na periferia e comecei a disparar enquanto os graves agudos tocavam um tom improvisado juntos. Após cerca de cinco minutos, encerramos as fotos do grupo e perguntei a cada um deles se me dariam mais alguns minutos de seu tempo para tirar fotos solo, o que todos concordaram em fazer. Toda a sessão de fotos durou cerca de dez minutos. Eu queria contar essa história porque me lembrei de como é importante estar pronto para qualquer coisa como fotógrafo. Esperava uma situação completamente diferente, mais tempo e, na minha opinião, planejava alcançar resultados extraordinários. Além de todo o resto, originalmente pensei que estaria escuro no momento em que tiramos as fotos e imaginamos um horizonte brilhante de Nova York e luzes de palco ricas como pano de fundo. E embora eu tenha sentimentos mistos sobre as fotos que tirei (principalmente do ponto de vista artístico), aprendi (na verdade, reaprendi) uma lição valiosa sobre resiliência e calma sob pressão e quando estamos prontos para trabalhar como fotógrafos, temos que fazer o que for necessário para fazer o trabalho e encantar nossos clientes.

Acontece também que ser fotógrafo é muito parecido com ser um músico de jazz. Isso pode parecer bobo, então deixe-me explicar. Na música, como na fotografia, não há duas salas iguais. Quando levo meu baixo e subwoofer para a festa, não existe uma abordagem única para obter um bom som. Cada sala é acusticamente diferente, o que significa que preciso mudar as configurações dos alto-falantes, onde coloco o amplificador no palco e até como toco o baixo fisicamente. Essas variáveis ​​afetarão o quão bom ou ruim o baixo soa. Em outras palavras, cada espaço em que trabalho tem características fundamentalmente diferentes, que devo abordar rapidamente e me adaptar.

O mesmo vale para nós como fotógrafos, embora usemos a luz em vez do som como nosso meio. Não há duas salas iguais, e não há duas faces iguais, então cada local e tema apresenta um conjunto único de desafios que devemos superar para conseguir a foto. E, como músicos de jazz, devemos ser capazes de improvisar em torno de circunstâncias em constante mudança, às vezes com pouco tempo para fazer o trabalho.

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